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Pablo Picasso | Cubist painter / sculptor

The artistic genius of Pablo Picasso (1881-1973)🎨 has impacted the development of modern and contemporary art with unparalleled magnitude.
His prolific output includes over 20,000 paintings, prints, drawings, sculptures, ceramics, theater sets and costumes that convey myriad intellectual, political, social and amorous messages.

His creative styles transcend realism and Abstraction🎨, Cubism, Neoclassicism, Surrealism🎨 and Expressionism.
Born in Malaga, Spain, in 1881, Picasso studied art briefly in Madrid in 1897, then in Barcelona in 1899, where he became closely associated with a group of modernist poets, writers, and artists who gathered at the café Els Quatre Gats (The Four Cats), including the Catalan Carlos Casagemas (1880-1901).

Living intermittently in Paris and Spain until 1904, his work during these years suggests feelings of desolation and darkness inspired in part by the suicide of his friend Casagemas. Picasso’s paintings from late 1901 to about the middle of 1904, referred to as his Blue Period, depict themes of poverty, loneliness, and despair.
In The Blind Man’s Meal from 1903, he uses a dismal range of blues to sensitively render a lonely figure encumbered by his condition as he holds a crust of bread in one hand and awkwardly grasps for a pitcher with the other. The elongated, corkscrew bodies of El Greco (1541-1614) inspire the man’s distorted features.

Picasso moved to Paris in 1904 and settled in the artist quarter Bateau-Lavoir, where he lived among bohemian poets and writers such as Guillaume Apollinaire (1880-1918) and Max Jacob (1876-1944).
In At the Lapin Agile from 1905, Picasso directs his attention toward more pleasant themes such as carnival performers, harlequins, and clowns.
In this painting, he uses his own image for the harlequin figure and abandons the daunting blues in favor of vivid hues, red for example, to celebrate the lives of circus performers (categorically labeled his Rose Period). In Paris, he found dedicated patrons in American siblings Gertrude (1874-1946) and Leo (1872-1947) Stein, whose Saturday evening salons in their home at 27, rue des Fleurus was an incubator for modern artistic and intellectual thought.

At the Steins he met other artists living and working in the city -generally referred to as the “School of Paris” -such as Henri Matisse (1869-1954)🎨.
Painted in 1906, Gertrude Stein records Picasso’s early stylistic experiments with primitivism influenced by a new fascination with pre-Roman Iberian sculpture and African and Oceanic art.
Concentrating on intuition rather than strict observation, and unsatisfied with the features of Stein’s face, Picasso reworked her image into a masklike manifestation stimulated by primitivism. The influence of African and Oceanic art is explicit in his masterpiece Les Demoiselles d’Avignon (1907; Museum of Modern Art, New York), a painting that signals the nascent stages of Cubism.
Here the figure arrangement recalls Cézanne’s compositions of bathers while stylistically it is influenced by primitivism, evident by the angular planes and well-defined contours that create an overall sculptural solidity in the figures.

The basic principles of Analytic Cubism (1910-12), with its fragmentation of three-dimensional forms on a two-dimensional picture plane, are embodied in Still Life with a Bottle of Rum, painted in 1911.
The techniques of Analytic Cubism were developed by Picasso and the French artist Georges Braque (1882-1963), who met in 1907. Picasso’s Bottle and Wine Glass on a Table of 1912 is an early example of Synthetic Cubism (1912-13), a papier collé in which he pasted newsprint and colored paper onto canvas. Picasso and Braque also included tactile components such as cloth in their Synthetic Cubist works, and sometimes used trompe-l’oeil effects to create the illusion of real objects and textures, such as the grain of wood.

After World War I (1914-18), Picasso reverted to traditional styles, experimenting less with Cubism.
In the early 1920s, he devised a unique variant of classicism using mythological images such as centaurs, minotaurs, nymphs, and fauns inspired by the classical world of Italy.
Within this renewed expression, referred to as his Neoclassical Period, he created pictures dedicated to motherhood inspired by the birth of his son Paulo in 1921 (his first of four children by three women). Woman in White of 1923 shows a woman clothed in a classic, toga-like, white dress resting calmly in a contemplative pose with tousled hair, eliciting a tender lyricism and calming spirit of maternity.
Toward the end of the 1920s, Picasso drew on Surrealist imagery and techniques to make pictures of morphed and distorted figures.
By the early 1930s, Picasso had turned to harmonious colors and sinuous contours that evoke an overall biomorphic sensuality. He painted scenes of women with drooping heads and striking voluptuousness with a renewed sense of optimism and liberty, probably inspired by his affair with a young woman (one of Picasso’s numerous mistresses) named Marie-Thérèse Walter (1909-1977). Girl Reading at a Table from 1934 uses these expressive qualities of bold colors and gentle curves to portray Marie-Thérèse seated at an oversized table, emphasizing her youth and innocence.

Although still living in France in the 1930s, Picasso was deeply distraught over the outbreak of the Spanish Civil War in 1936. He reacted with a powerfully emotive series of pictures, such as The Dream and Lie of Franco, that culminated in the enormous mural Guernica (1937; Reina Sofía National Museum, Madrid), painted in a grisaille palette of gray tones. This painting, Picasso’s contribution to the Spanish Pavilion in the 1937 Exposition Universelle in Paris, is a complex work of horrifying proportion with layers of antiwar symbolism protesting the fascist coup led by Generalissimo Francisco Franco.

From the late 1940s through the ’60s, Picasso’s creative energy never waned. Living in the south of France, he continued to paint, make ceramics, and experiment with printmaking.
His international fame increased with large exhibitions in London, Venice, and Paris, as well as retrospectives in Tokyo in 1951, and Lyon, Rome, Milan, and São Paulo in 1953.
A retrospective in New York at the Museum of Modern Art in 1957 garnered a massive amount of attention, with over 100,000 visitors during the first month. 
This exhibition solidified Picasso’s prominence as museums and private collectors in America, Europe, and Japan vied to acquire his works.

In Faun and Starry Night (1970.305) from 1955, Picasso returned to the mythological themes explored in early pictures. Again, incorporating life experience into his painting, he evokes his infatuation with a new love, a young woman named Jacqueline Roque (1927-1986), who became his second wife in 1961 when the artist was seventy-nine years old. In this painting, Picasso symbolizes himself as a faun, calmly and coolly gazing with mature confidence and wisdom at a nymph who blows her instrument to the stars. The picture embraces his spellbound love for Jacqueline.

Even into his eighties and nineties, Picasso produced an enormous number of works and reaped the financial benefits of his success, amassing a personal fortune and a superb collection of his own art, as well as work by other artists.
He died in 1973, leaving an artistic legacy that continues to resonate today throughout the world. | © James Voorhies - Department of European Paintings, The Metropolitan Museum of Art

Picasso ⟨-àso⟩ (propr. Ruiz y Picasso), Pablo - Pittore e scultore (Malaga 1881 - Mougins, Alpi Marittime, 1973). Tra i protagonisti assoluti dell'arte del Novecento, ha rappresentato uno snodo cruciale tra la tradizione ottocentesca e l'arte contemporanea.
Figlio di José Ruiz, professore di disegno e conservatore del museo di Malaga, Picasso (dal 1901 firmerà con il cognome della madre) inizia giovanissimo a disegnare; quando la famiglia si trasferisce a Barcellona (1895), partecipa alla vita intellettuale della città, aperta a tutte le correnti d'avanguardia, lavora con frenesia sperimentando varie tecniche, disegna scene dal vero, ritratti di amici.
Nell'ottobre del 1900 si reca per la prima volta a Parigi e s'interessa prevalentemente all'arte di Steinlen, Toulouse-Lautrec, Vuillard. Negli anni seguenti Picasso torna a Parigi e infine nel 1904 vi si stabilisce (la lascerà soltanto per brevi periodi).
Tra il 1901-1904 le sue opere, che ripropongono nei temi espressioni dolenti di tragiche condizioni umane e sociali, sono caratterizzate da un disegno stilizzato e pungente, da una intonazione monocroma blu che definisce duramente i volumi (periodo blu).

Dal 1904 acrobati, suonatori ambulanti, arlecchini popolano le sue tele e i suoi disegni, con note di tenera malinconia, mentre il blu è sostituito da tonalità grigio-rosa (periodo rosa).
Il Ritratto di Gertrude Stein (1906, New York, Metropolitan Museum) prelude nella semplificazione e nella saldezza delle forme ai dipinti più direttamente influenzati dall'arte negra, di cui Picasso sente acutamente il fascino.
Le Demoiselles d'Avignon (1907, New York, Museum of modern art) nella redazione definitiva (dopo tre versioni e numerosi studi) sono al centro di una ricerca ossessiva di tutte le possibilità espressive della figura umana nella scomposizione dei volumi e nel trattamento schematico dei piani (l'opera, mostrata solo a pochi amici, verrà riprodotta nel 1925 ne La révolution surréaliste e presentata nell'Esposizione universale di Parigi del 1937).

Da queste premesse e da una nuova e approfondita conoscenza dell'opera di Cézanne nasce il cubismo. In una ricerca, che si svolge parallela a quella di Braque, Picasso analizza gli elementi volumetrici delle immagini mediante la loro scomposizione geometrica in piani sovrapposti e giustapposti, in un ritmo complesso che porta al superamento della tradizionale impostazione fondo-immagine.
Con la presentazione simultanea delle varie facce dell'immagine, andando oltre la visione tridimensionale, realizza sul piano la quarta dimensione (le forme divengono simboli spazio-temporali) e contestualmente elabora anche le sue esperienze in scultura (Testa femminile, bronzo, 1909, Parigi, Musée Picasso).
Dall'analisi e sezionamento dell'oggetto che conduce alla scoperta di forme, costituenti gli elementi formali della composizione (cubismo analitico), Braque e Picasso giungono alla scoperta del processo che, gradualmente, conferisce un significato oggettivo a composizioni di elementi puramente pittorici (cubismo sintetico); in questo processo grande importanza ha l'invenzione del papier collé e del collage.
Nel 1915 Picasso ritorna alla rappresentazione oggettiva, dapprima ricalcando, soprattutto nei disegni, la via del rigoroso classicismo di Ingres, poi tentando di realizzare una nuova monumentalità in una serie di figure "colossali"; ma ben presto si rifà, specialmente nelle nature morte, alla scomposizione di tipo cubista.

Contro la corrente classicistica, che domina in tutta Europa, Picasso insorge con un quadro di Danzatrici (1925, Londra, Tate Gallery), nel quale la scomposizione cubista si trasforma in una vera e propria deflagrazione formale. Benché Picasso non abbia esplicitamente aderito al surrealismo, le opere di questo periodo, in cui la deformazione giunge spesso a una voluta mostruosità, sono considerate surrealiste; solo nel periodo detto delle ossa (1928-29) si ha una vera e propria visione surrealista.
Ma l'istinto formale, plastico dell'artista riprende il sopravvento sulla poetica del surrealismo: con un gruppo importante di sculture (1930-34; busti, figure femminili, animali, costruzioni metalliche), nascono dipinti d'alto valore espressivo, nei quali la deformazione diventa apostrofe morale, simbolo delle deformazioni interiori dell'uomo moderno.

Durante la guerra civile spagnola Picasso vive con forte impegno il dramma del suo paese; per un breve periodo è direttore del Prado.
La spietata denuncia degli orrori del fascismo e della guerra che impronta le violente acqueforti che illustrano il poemetto Sueño y mentira de Franco, raggiunge i toni più alti del dramma in Guernica (ora nel Museo Reína Sofia), espressione dello sdegno più intenso dopo il bombardamento tedesco della cittadina, risolta in una ridotta gamma cromatica di bianchi e di neri: costretta l'azione nello spazio di una stanza, dalle macerie, lacerati brandelli della coscienza, affiora il toro, simbolo della violenza e della brutalità.
L'opera, la cui denuncia va oltre l'episodio contingente che l'ha originata, esposta nel padiglione spagnolo dell'Esposizione Universale di Parigi del 1937, suscitò profonda commozione e consensi. Simboli d'orrore sono anche i Minotauri e le Tauromachie, come poi, durante la seconda guerra mondiale, le donne mostruosamente deformi e le nature morte.
Dopo la guerra, è un nuovo periodo di distensione; iscritto al Partito comunista francese dal 1944, Picasso partecipa a varî congressi della pace ed esegue l'affiche con la colomba per quello di Parigi del 1949.

Dal 1947 soggiorna a Vallauris, dove si dedica prevalentemente alla ceramica, poi a Cannes e dal 1961 si stabilisce a Mougins. Pur senza abbandonare la scomposizione violenta della forma, Picasso sa piegarla a esprimere affetti familiari, limpidi sentimenti umani; con maggiore serenità ricerca nei miti classici e nell'antichissima tecnica della ceramica il senso profondo dell'anima mediterranea. La sua tecnica prodigiosa, la sua dirompente forza creativa, il suo pathos ardente giungono a espressioni quasi idilliche come nel grande pannello La Pace, o di alto senso morale come in quello La Guerra (entrambi del 1952-54, Vallauris, Musée national Pablo Picasso).
Tra le sue ultime opere si ricordano una serie di variazioni su Las Meninas di Velázquez (1957, Barcellona, Museo Picasso) e su Le déjeuner sur l'herbe di Manet (1961) e un grande murale per la sede dell'UNESCO a Parigi (1958).
Nel 1963 fu aperto a Barcellona il Museo Picasso, con dipinti, sculture e opere grafiche picassiane donate da J. Sabartés. Nel 1970 Picasso, in memoria dello stesso Sabartés, donò alla città di Barcellona circa mille opere tra dipinti, disegni e incisioni. A Parigi, nel Musée Picasso (aperto nel 1985) è stata raccolta la vastissima collezione di opere che Picasso ha lasciato alla Francia. | © Treccani