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Vincent van Gogh | Le pont de Trinquetaille, 1888

The fifteen months that Van Gogh spent at Arles in 1888-1889 represent a pivotal moment in his career, "the zenith, the climax, the greatest flowering of Van Gogh's decade of artistic activity", according to Ronald Pickvance.
Freed from the pressures of urban life and inspired by the brilliant Provençal light, the artist integrated the results of months of experimentation and produced one modern masterpiece after another. With its bold composition and expressive palette, "Le pont de Trinquetaille" epitomizes his mature style.

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Camille Pissarro | Petite bonne flamande dite 'La Rosa', 1896

Petite bonne flamande dite 'La Rosa' / Little Flemish Girl Called Rosa - is one of a small group of paintings that Camille Pissarro painted in 1896, which depict a young Flemish girl, Rosa, who was at the time the Pissarro family’s housemaid.
‘I’m doing a few figure paintings based on la Rosa’ (letter from Pissarro to L. Pissarro, in J. Pissarro and C. Durand-Ruel Snollaerts, Pissarro, Catalogue critique des peintures, vol. III, Paris, 2005, p. 694), Pissarro wrote to his son Lucien on 4 December 1895 from Paris.

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Paul Gauguin | Young Man with a Flower behind his Ear, 1891

Originally in the collection of the great modern master Henri Matisse, Paul Gauguin's striking and evocative portrait of a young man, clad in a pink European blouse and loose cravat, with the native adornment of a small white tiaré blossom tucked over his left ear, is among the first paintings the artist completed after arriving in Tahiti in 1891.
The forthright charm of this painting stems from Gauguin's sensitive characterization of his sitter, a handsome and thoughtful man of whom the artist was clearly quite fond.

The sincere, underlying simplicity of this three-quarter view, bust-length portrait, moreover betokens a significant story - indeed, a profoundly transformative event - in the life and career of the great artist, in which this young Tahitian served as a catalyst and an invaluable teacher.
The young man with whom Gauguin became acquainted during his initial months in Tahiti was named Jotefa - or so the artist called him in a later draft of Noa Noa (“Fragrance”), the account he began in 1893 of his first island sojourn.
It was this young boy who led Gauguin through the exotic landscape of the island in search of wood for the artist’s sculpture.
As a result of their contact and this seminal journey, Gauguin met with that breakthrough revelation he had been seeking of completely immersing himself in an indigenous culture and becoming a Maori.
Painted in the midst of this deeply transformative Tahitian period, Jeune homme à la fleur could be seen to pay tribute to this young man, encapsulating the compelling personal and artistic adventure that Gauguin undertook in the South Seas.
The importance of Jeune homme à la fleur within Gauguin’s oeuvre is reflected not only by its unique provenance - after Matisse, it was later owned by Lillie P. Bliss, one of the original founders of the Museum of Modern Art, New York - but the painting has also been included in some of the most prominent exhibitions of the artist in the twentieth century. | © Christie's

Originariamente nella collezione del grande maestro moderno Henri Matisse, il ritratto suggestivo e evocativo di un giovane Paul Gauguin, vestito con una camicetta europea rosa e un foulard sciolto, con l'ornamento nativo di un piccolo fiore di tiaré bianco nascosto sopra l'orecchio sinistro, è tra i primi dipinti l'artista completò dopo essere arrivato a Tahiti nel 1891.
Il fascino schietto di questo dipinto deriva dalla delicata caratterizzazione di Gauguin della sua scrittrice, un uomo bello e riflessivo di cui l'artista era chiaramente piuttosto affezionato.
La sincera semplicità di fondo di questa visione a tre quarti, ritratto a figura intera, inoltre, raccoglie una storia significativa - anzi, un evento profondamente trasformativo - nella vita e nella carriera del grande artista, in cui questo giovane tahitiano è stato un catalizzatore e un insegnante inestimabile.
Il giovane con cui Gauguin conobbe i suoi primi mesi a Tahiti fu chiamato Jotefa - o così l'artista lo chiamò in una successiva bozza di Noa Noa ("Fragranza"), il racconto che iniziò nel 1893 del suo primo soggiorno sull'isola.
Fu questo giovane ragazzo che condusse Gauguin attraverso il paesaggio esotico dell'isola alla ricerca di legno per la scultura dell'artista.
Come risultato del loro contatto e di questo viaggio fondamentale, Gauguin incontrò quella rivelazione rivoluzionaria che aveva cercato di immergersi completamente in una cultura indigena e diventare un Maori.
Dipinto nel mezzo di questo periodo tahitiano profondamente trasformativo, Jeune homme à la fleur è stato visto per rendere omaggio a questo giovane, incapsulando l'avvincente avventura personale e artistica che Gauguin ha intrapreso nei Mari del Sud.
L'importanza di Jeune homme à la fleur all'interno dell'opera di Gauguin si riflette non solo nella sua singolare provenienza - dopo Matisse, fu in seguito di proprietà di Lillie P. Bliss, uno dei fondatori originali del Museum of Modern Art, New York - ma il la pittura è stata inclusa anche in alcune delle mostre più importanti dell'artista nel ventesimo secolo.

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Gaetano Gandolfi (1734-1802) | Drawings

Gaetano Gandolfi🎨 was a painter, draughtsman, sculptor and etcher of the late Baroque and early Neoclassic period, active in Bologna, part of an Italian family of artists.
As a student at the Accademia Clementina he won two medals🎨 for sculpture and four medals for his drawings.
Throughout his life he remained actively involved in the affairs of the Accademia Clementina, where he taught a class in life drawing. He was a gifted draughtsman, and his drawings were highly prized by contemporary collectors.

Gaetano Gandolfi🎨 (San Matteo della Decima 1732 - Bologna 1802) frequentò l'Accademia Clementina di Bologna, ma su di lui l'influenza determinante fu esercitata dal fratello Ubaldo.
Come studente all'Accademia Clementina ha vinto due medaglie🎨 per la scultura e quattro medaglie🎨 per i suoi disegni.
Nel 1760 trascorse un anno a Venezia, dove ebbe modo di studiare le opere del Tiepolo🎨 e di altri pittori veneti.
Viaggiò anche in Inghilterra ma tornato a Bologna realizzò affreschi e tele in varie chiese e conventi di Bologna.
La sua fama, dopo l'esperienza veneta, accrebbe tanto che le sue prestazioni pittoriche vennero richieste in varie città d'Italia.
Le sue opere, a carattere mitologico, storico e religioso, possono essere ammirate presso la Pinacoteca Nazionale di Bologna, ma sono custodite anche nei musei e gallerie d'arte di tutto il mondo, tra cui il Louvre di Parigi e il Metropolitan Museum of Art di New York.
Un suo dipinto di medie dimensioni dal titolo “Diana e Callisto🎨” è stato venduto ad oltre 3 milioni di euro ad un’asta Christie’s di New York.

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Camille Pissarro | Le Marché de Gisors, Grande-Rue, 1885

On Monday mornings, Camille Pissarro often joined his wife Julie and a couple of their children, with some household helpers, for the two-and-a-half-mile excursion from their home in Éragny to attend market day in Gisors, a town of about four thousand inhabitants further down the Epte River.
While Julie stocked up on produce and provisions for the coming week, Pissarro sketched the many people from Gisors and nearby villages who gathered among the stalls set up on the Grand-Rue (today the rue de Vienne) near the town hall, as they engaged in selling, buying, or bartering, exchanging news, and socializing during this all-important, weekly communal event.

The simple human interaction in this pre-capitalist exchange of goods appealed to Pissarro’s life-long dedication to the fundamental principles of non-violent anarchist theory: egalitarianism, freedom from tyranny, the satisfaction derived from honest, unexploited labor, and a belief in the evolution of society toward a more peaceable and harmonious condition.
From the drawn studies Pissarro elaborated a key theme in his later oeuvre - le marché, the market scene. He typically peopled these pictures with more figures in various postures than a viewer can readily count.
The artist completed between 1880-1901 around three dozen gouaches and pastels of this kind, as well as numerous other works on paper, including prints.
The present Le Marché de Gisors is one of only five versions of this genre that Pissarro painted in oils on canvas; none is more than 32 inches (82 cm.) in height.
Pissarro intended to market these socially-themed pictures to a wide public. In the hope of appealing to buyers of lesser means, who shied away from the prices dealers asked for large oil paintings, he valued these more modestly scaled scenes, in oil or gouache, at affordable levels.
The initial public appearance of the market subject in Pissarro’s work were three gouaches, painted in Pontoise, which the artist included in the Seventh Impressionist Exhibition, 1882.
The present canvas, completed several years later, is the first of the three that Pissarro painted in Éragny, his final home (the others are Pissarro and Durand-Ruel Snollaerts, no. 1013 [1893] and no. 1097 [1895]).
The figures in Pissarro’s market scenes are predominantly women, in important roles as both providers and consumers.
The artist understood the powerful matriarchal impetus that still shaped agrarian society at that time, as it had in antiquity and prehistory as well. | © Christie's

Il lunedì mattina, Camille Pissarro si univa spesso a sua moglie Julie e ad una coppia di loro figli, con alcuni aiutanti domestici, per l'escursione di due miglia e mezzo da casa loro a Éragny per partecipare alla giornata di mercato a Gisors, una città di circa quattromila abitanti più avanti lungo il fiume Epte.
Mentre Julie faceva scorta di prodotti e provviste per la prossima settimana, Pissarro ha disegnato le molte persone di Gisors e dei villaggi vicini che si sono radunati tra le bancarelle allestite sulla Grand-Rue (oggi la rue de Vienne) vicino al municipio, mentre si impegnavano nel vendere, comprare o barattare, scambiare notizie e socializzare durante questo importantissimo evento settimanale settimanale.
La semplice interazione umana in questo scambio di beni pre-capitalista ha attirato la dedizione di Pissarro per tutta la vita ai principi fondamentali della teoria anarchica non violenta: egalitarismo, libertà dalla tirannia, la soddisfazione derivata dal lavoro onesto e non sfruttato e la convinzione nel evoluzione della società verso una condizione più pacifica e armoniosa.
Dagli studi disegnati Pissarro ha elaborato un tema chiave nella sua opera successiva: il mercato, la scena del mercato.
In genere ha popolato queste immagini con più figure in varie posture di quante uno spettatore possa facilmente contare.
L'artista completò tra il 1880-1901 circa tre dozzine di guazzi e pastelli di questo tipo, oltre a numerose altre opere su carta, tra cui le stampe.
L'attuale Le Marché de Gisors è una delle sole cinque versioni di questo genere che Pissarro dipinse a olio su tela; nessuno è più di 32 pollici (82 cm.) di altezza. Pissarro intendeva commercializzare queste immagini a tema sociale per un vasto pubblico.
Nella speranza di attirare gli acquirenti di mezzi minori, che evitavano i prezzi richiesti dai commercianti per i grandi dipinti ad olio, valutava queste scene più modeste, a olio o tempera, a livelli abbordabili.
La prima apparizione pubblica del soggetto di mercato nell'opera di Pissarro furono tre gouaches, dipinti a Pontoise, che l'artista includeva nella settima mostra impressionista, 1882.
La tela attuale, completata diversi anni dopo, è la prima delle tre in cui Pissarro dipinse Éragny, la sua ultima dimora (gli altri sono Pissarro e Durand-Ruel Snollaerts, n. 1013 [1893] e n. 1097 [1895]).
Le figure nelle scene di mercato di Pissarro sono prevalentemente donne, in ruoli importanti sia come fornitori che come consumatori.
L'artista capì il potente slancio matriarcale che a quel tempo modellava ancora la società agraria, come pure nell'antichità e nella preistoria. | © Christie's